DES HOMMES ET DES DIEUX

Film français de Xavier Beauvois

Avec Lambert Wilson, Michael Lonsdale

Sorti le 8 septembre 2010

Une fois de plus, la journée s’était écoulée sans que je ne prenne le temps de choisir le film pour ma sortie ciné du soir. A la bourre, comme toujours !

Au final, je me rabats vite fait sur Allociné.

Premier constat : tous les films que je voulais voir étaient soit sortis de l’affiche brestoise, soit pas encore entrés. Contrariant !

Après un sévère écrémage, ne restaient en lice que deux films : Le dernier Bernard Blier (Le Bruit des glaçons) et Des Hommes et des Dieux.  A priori pas grand-chose en commun.  Pourquoi ai-je choisi le second ? Pour une raison toute conne :(décidément à la bourre jusqu’au bout),  le premier film avait déjà débuté depuis 2 minutes lors de mon arrivée au guichet. Et ça, vraiment, je ne supporte pas.

Des Hommes et des Dieux raconte la vie d’une petite communauté de moines en Algérie, entre 1995 et 1996, à une époque trouble où il ne faisait pas bon être un étranger. Le GIA sème la terreur dans un pays que le gouvernement ne semble plus maitriser. Ces moines trappistes français sont parfaitement intégrés et appréciés par la population locale. Frère Luc, médecin, prodigue ses soins à près de 150 patients certains jours, la communauté vend son miel, rend divers services, cultive son jardin, chante et prie.

Le film montre cette vie, presque comme un documentaire. Une vie simple, ordinaire et pourtant pleine de sens et de beauté.  Lorsque la menace pèse de plus en plus lourdement sur leur sécurité, les moines s’interrogent : faut-il rester ? Sont-ils venus ici pour mourir en martyrs ? Chacun pèse le pour et le contre et si le frère Christian a tendance à imposer son point de vue, on lui rappelle qu’il n’a pas été élu pour décider pour le groupe.

L’histoire des moines de Tibhirine est authentique et avait, à l’époque, choqué l’opinion publique.

Servi par des acteurs magnifiques, le film nous montre, sans fard, sans austérité et sans gravité, la vie de ces moines, des hommes qui ont choisi une vie hors norme, consacrée à Dieu, à la prière et aux autres. Cependant, ces hommes nous ressemblent. Avec leurs doutes, leurs peurs, leurs fiertés. 

Michael Lonsdate et Lambert Wilson sont extraordinaires. On sait qu’ils ont, avec les autres comédiens, fait un stage de plusieurs jours dans un monastère pour préparer le film. Pourtant, force est de reconnaître que c’est bien leur talent d’acteur qui permet ainsi de pousser leurs personnages aussi haut.

Avant d’être un film religieux, ce film traite de l’humilité des hommes mais aussi et surtout de la liberté.  Lorsque la peur nous tenaille, alors qu’elle est forte au point de dicter nos actes, ces hommes ont trouvé la force d’être fidèles à leur engagement et fidèles à eux-mêmes, comme des hommes libres.

Cyd Charisse est morte le 17 juin dernier. Ca n’a pas vraiment ébranlé les français. Bon, je ne demandais pas un deuil national, mais quand même. Même pas une petite redif. sur France 3 !

Mais que faisait donc Patrick Brion ?

L’actrice danseuse occupait une place de choix dans la constellation des stars d’Hollywood. Le cinéma des années 30 aux années 50 (après c’est encore bien mais c’est plus la même chose) connait une époque où le mot « glamour » trouve tout son sens, où les femmes sont nécessairement fatales et les hommes viriles. Lire ma critique de « la main au collet ».

Je ne vais pas refaire la filmographie facilement disponible sur de nombreux sites.

Dans ses films, Cyd Charisse a une classe, une tenue, une élégance. LA femme, sublime et sublimée. Une beauté exceptionnelle qui fait de chacune de ses apparitions un moment de grâce. Et puis cette paire de jambes, idéalement et magnifiquement sculptées. Rien de moins que ça ! Et même un peu plus car l’actrice joue dans la séduction et introduit dans un cinéma pudibond et conservateur un érotisme maîtrisé.

L’exemple parfait reste « Chantons sous la pluie » (1952). Voilà un film bon enfant, sympa comme tout. Et puis arrive la fameuse scène où, armée d’un porte-cigarette et de collants noirs, elle va mettre le danseur à ses genoux. Dès son apparition, le film bascule, le ballet devient torride et le spectateur, à l’instar de Gene Kelly, est captivé par les ondulations et le jeu de jambes explicite de l’actrice. Fascinant.

Tout aussi troublant, son jeu face à Fred Astaire dans « Tous en Scène » (The Bang Wagon-1953), réalisé par Vincente Minnelli, le maestro de la comédie musicale. Il existe une scène de danse, coupée au montage, d’une sensualité hypnotique.

On appréciera, ou non, pour son côté kitch, le désuet « Brigadoon » encore avec Gene Kelly, également de Minnelli, qui la dirigera à quatre reprises.

Cyd Charisse a marqué un genre, la comédie musicale, qui lui-même a marqué l’actrice au point que lorsque le « musical » tombera en désuétude, dès la seconde moitié des années 50, l’actrice chutera elle aussi.

Son dernier film majeur est, à mon sens, « Traquenard » (1958) un polar de Nicholas Ray où elle a pour partenaire Robert Taylor. Elle a alors 37 ans et est rayonnante. Ce film laisse entrevoir la possible carrière de l’actrice dans un nouveau registre pour elle.

Hélas, pour des raisons que j’ignore, Cyd Charisse ne connaitra plus le succès.

Et puis, il y a ce rendez-vous manqué : En 1962, elle figure au casting du film « Something Got To Give » aux cotés de Dean Martin et de… Marilyn Monroe qui décède pendant le tournage, laissant le film inachevé.

Elle avait 87 ans et avait donc cessé de tourner depuis longtemps. Je cherche une fin originale en évitant « Elle a disparu mais ses films restent ». Ceci dit, c’est pas faux non plus !

A consulter : un excellent site français, le bien nommé « Legs » (dont sont tirées les photos qui illustrent cet article)

Film français de Diane KURYS

Avec Sylvie Testud, Pierre Palmade, Lionel Abelanski, Jeanne Balibar, Denis Podalydès... 

Sorti le 11 Juin 2008

Décidément, les biographies filmées (Biopics pour les anglophiles) sont à la mode. Après le succès de « La Mome » dans lequel Marion Cotillard avait épaté pour son interprétation très réaliste d’Edith Piaf, voici, dans le même registre tragique, Sylvie Testud dans la peau de Françoise Sagan. Là encore, l’actrice est sidérante de vérité. Pas facile d’incarner des personnalités aussi connues et pourtant, c’en est bluffant. L’attitude, la diction, la gestuelle, tout y est.

Pas rigolote, la vie de l’écrivain. Issue d’un milieu bourgeois, la jeune Françoise va accéder immédiatement au succès littéraire. Tout pourrait lui sourire : Elle est riche, inspirée, plutôt mignonne, est entourée d’une cour d’admirateur. Mais hélas, rien ne va comme elle veut. Un mauvais mariage, un accident de voiture, une dépendance à l’alcool et aux drogues, un penchant pour les jeux d’argent, autant de difficultés qui vont pourrir sa vie.

 
Sa liberté, ses fantaisies lui coûtent cher et ne la rendent pas heureuse, loin s’en faut. Instable, versatile, ne supportant pas la contradiction, elle a un besoin constant d’être adulée, peu importe que les flatteries soient sincères. Elle brûle la vie par les deux bouts jusqu’à une fin, pitoyable. Palaces, casinos, champagne, voitures de luxe, rien n’y fait. Une vraie démonstration du dicton « l’argent ne fait pas le bonheur ». Et pourtant, c’est ce qu’elle semble chercher à tout prix mais sans en trouver la recette.

La vie de Sagan est une mine pour les scénaristes : Les rebondissements s’enchaînent et méritent les presque deux heures de projection que l’on ne voit pas passer. A la sortie, on en sait beaucoup sur la vie mais peu finalement sur son œuvre. J’imagine que les ventes de « Bonjour Tristesse » doivent connaître un certain regain ces jours ci.

Titre original : Indiana Jones and the Kingdom of crystal skull
Film américain de Steven Spielberg
Avec Harrison Ford, Cate Blanchett, Karen Allen, Shia LaBeouf
Sorti le 21 mai 2008

Question basique genre Trivial Pursuit : Un film d’aventure de Steven Spielberg avec Harrison Ford sur une musique de John Williams et une idée originale de George Lucas ? Facile : Un camembert rose (celui de la « culture »).

Début des années 80, Spielberg renoue avec le film d’aventure, dans la pure lignée des réalisations hollywoodiennes de l’âge d’or, en survitalisant le genre. Harrison Ford est Errol Flynn, et donne au personnage un second degré qui colle bien à l’époque. La trilogie (devenue maintenant tétralogie) va, de 1981 à 1989, entrer dans la légende. Le personnage d’Indiana Jones, son chapeau, son fouet, le thème musical aussi célèbre que celui de James Bond sont  autant d’éléments si chers au cœur des cinéphiles adaptes de la saga.

Autant dire que l’on se réjouissait à la perspective de ce 4^ème volet, souvent annoncé et autant reporté. Après presque 20 ans d’attente, le film était enfin visible. J’y allais donc avec le même bonheur que celui que l’on peut éprouver lorsque l’on a rendez-vous avec un ami d’enfance. Prêt à pardonner beaucoup et à ne pas bouder mon plaisir.

Ca démarre assez bien. Indiana nous annonce la couleur : « Ca va pas être facile… On était plus jeunes à l’époque… » . Nous sommes en 1957, c’est la guerre froide, le KGB, le rock’n’roll, les blousons noirs, la crainte d’une guerre atomique et les extraterrestres. Voilà grosso modo le cahier des charges de cet épisode.

Las… Ca ne fonctionne pas…

C’est un peu comme la mayonnaise : vous avez votre jaune d’œuf, le sel, la moutarde, l’huile et vous avez beau battre, ça ne prend pas, ça ne monte pas. Désespoir… Ici c’est pareil, ça ne décolle pas et les effets spéciaux ont beau crever l’écran jusqu’à l’écœurement, rien n’y fait, on finit même par s’ennuyer. On regarde Indiana Jones se sortir de toutes les situations, de toutes les catastrophes ou calamités, sans aucun dommage. Tout peut lui tomber dessus, y compris une explosion nucléaire,  pas de problème, une bonne douche et c’est fini. Il fait penser au Coyote de Beep Beep. Vous savez, celui qui invente tous les  stratagèmes  dans l’espoir – vain – de dévorer le Roadrunner mais qui se prend à ses propres pièges.

Et puis, ces balles qui n’atteignent jamais les « gentils », ça finit par lasser. On a même plus peur : rien ne peut lui arriver. Et de fait, rien ne lui arrive.

Non, franchement, c’est navrant. D’autant que, malgré l’âge (66 ans), Harrison Ford reste très convaincant dans son rôle. SON rôle, quoi, mince !!! Un scénario indigeste, des effets spéciaux qui dénient toute crédibilité m'ont laissé complètement à côté du film.

Dommage ? Pire que ça : Un beau gâchis !

Sorti le 16 avril 2008.

Rolling Stones / Scorsese. Soit, à peu près, le plus grand groupe de rock et un des plus grands cinéastes. Une association plus que prometteuse, excitante. Surtout que le réalisateur de Taxi Driver, Casino, les Nerfs à vif, Aviator est un vrai mélomane. ça s’entend déjà sur les B.O. de ses films, ça se confirme lorsqu’il réalise des documentaires musicaux comme le récent Bob Dylan mais, dans nos cœurs de rockers, Scorsese a acquit ses lettres de noblesse avec l’inoubliable « The Last Waltz » (1978) qui vaut autant par la qualité de sa réalisation que par celle des musiciens (The Band, dont c’est le concert d’adieu, et les musiciens qu’il a côtoyé pendant sa carrière soit Bob Dylan, Neil Young, Eric Clapton, Dr John, Joni Mitchell, Ringo Starr, Staples Singers…)

Shine A Light est exactement de cette veine. Filmé en 2006 au Beacon Theater de New York, Martin Scorsese nous montre une formation en grande forme. Charlie Watts, le batteur, est comme à son habitude, impassible et impérial. Il soupire quand même à l’issue du 2^ème ou 3^ème titre. Keith Richards, le plus fripé de tous, le plus marqué par l’âge (63 ans au moment des faits) et surtout par les excès de substances illégales. J’arrive même à trouver du talent à Ron Wood, qui n’est pas mon Stone préféré (pléonasme). L’équipe qui complète la formation, Darryl Jones à la basse, Chuck Leavell aux claviers, la section de cuivres menée par Bobby Keys, déjà auteur du solo de sax sur l’original de Brown Sugar en 1971, ne déméritent évidemment pas.

Mais, la vedette, la star de la soirée, c’est Mick Jagger. La voix, le physique (si le visage trahit son âge, son corps reste parfait) et surtout la gestuelle sont intacts. Dès les premières mesures, Mick, tel un jeune cabri, se dandine, virevolte à la recherche du public qu’il trouve sans la moindre peine. Quel performer !!!

Le rôle de Scorsese n’est pas à négliger. Ses caméras suivent avec nervosité le chanteur et ses musiciens, ne ratant aucun détail. Pari artistique audacieux : lorsque la caméra s’approche d’un instrument,  le son de celui-ci est également mis en avant. Les solos ou riffs de guitare de Keith deviennent alors particulièrement tranchants. La lumière est excellente et rare pour un concert filmé dans un décor un peu baroque.

L’intro du film pourra agacer. Pour ma part, j’ai beaucoup aimé lorsque Scorsese se met en scène, nerveux, attendant désespérément d’obtenir la set list, se pouillant au téléphone avec Jagger sur les détails de dernière minute. Cette intro installe un climat de nervosité et une tension qui, je trouve, met en condition pour le concert à suivre.

Le concert est parfois coupé par des images d’archives, essentiellement des interviews.

Au terme de plus de 2 heures de musique, ponctuées par un « Brown Sugar » et un « Satisfaction » d’anthologie, on sort de la salle ébloui et ravi. Prêt à reprendre un ticket pour un deuxième tour. Vivement le DVD !